Bienvenidos a su Revista Cultural "VAVartes" Proximamente estaremos colocando informacion actualizada de lo que acontece en Valencia y Maldonado Uruguay asi como Argentina.

Bienvenidos a nuestro Blog VALENCIA ARTES VISUALES ... este blog será un medio de divulgación de las actividades de la Asociación Civil Valencia Artes Visuales. Aquí podrás tener información de nuestros encuentros y referencias ampliadas de nuestra Revista Virtual "VAV artes". Podrás enviarnos colaboraciones para la revista y ser publicadas en este blog. Esperamos marcar una pauta para el encuentro artístico en nuestra ciudad.


miércoles, 24 de junio de 2009

TULIPÁN VENEZOLANO- Por: Francisco García García

------------------------------------Culmina aqui la 1°Edición----------------------------------
Dedicado a su creadora, Liliana Valiente (Venezuela)
TULIPÁN VENEZOLANO

Yo fui el primero en verte
tulipán de terciopelo,
fue un momento de suerte
y tenerte conmigo quiero.

Muy lejos de aquí naciste
fruto de inspiración,
y rápidamente creciste
para ser de admiración.

!Qué bellas manos serían
las que a ti te pintaron¡
!Qué pinceles cogerían
que tan bello te dejaron!

¡ Cuatro pétalos de seda
a tu corola rodean
que bien abrigada queda,
mientras tus hojas cimbrean.
Con permiso de tu autora
yo te quiero imprimir,
y tenerte desde ahora
para poderte lucir.

Siempre estarás a mi lado
y en mi estudio vivirás,
impreso y bien enmarcado
y mi compañia tendrás.

Mientras viva te tendré
en un lugar preferente,
y siempre te miraré
como algo diferente.

Francisco García García -Málaga -10/2/2009-(España)


ENTRE PINCELES Y POESÍA

Los pinceles y poesía
juntos de la mano van,
lo segundo, es fantasía,
y lo primero es mezclar
el color con armonía.

Los dos son expresión,
siendo ambos puro arte,
que salen del corazón
apenas sin cuenta darte.

Siendo simples sentimientos
reflejados con nobleza,
retrato de pensamientos
que inmortalizan belleza
salidos de tus adentros.

Cuando pintas te parece
estar como extasiado,
el alma entera se crece
cuando quieres ver pintado
aquello que lo merece.

Y cuando escribes poesía
también se sigue pintando;
el vivir de cada día
que en el papel vas dejando
grabado con alegría.

Y luego sigues pensando
en la nueva fantasía
para seguir navegando
entre pincel y poesía.

Francisco García García


EL PINTOR Y EL POETA

Al pintor como al poeta,
lo tienen considerado,
que está mal de la chaveta
y muchos les dan de lado.

Algo de locos tenemos,
seguro llevan razón,
nosotros nunca sabremos
los cuerdos, quienes los son.

Nos enloquece lo bello
que nos ofrece la vida,
valorando todo aquello
que captamos enseguida.

Sabemos bien apreciar
todo cuanto nos rodea,
y con amor respetar,
aunque tan bello no sea.

Sentimiento y arte puro
Dios nos quiso regalar,
y otras cosas, ten seguro,
se las dejó a los demás.
El Pintor va reflejando

sobre el lienzo o el papel,
lo bello que va captando
y va pintando a la vez.

Al Poeta pasa igual
aunque distinto parece,
constancia quiere dejar
de aquello que lo merece.

Ambos son enamorados
de nuestra naturaleza,
y sus sentidos clavados
en lo que tenga pureza,
siempre los tienen fijados
con desmedida nobleza.

Si el pintar es locura,
y escribir es la demencia,
yo no quiero la cordura,
ambas cosas, no son ciencia,
es hundirse en la hermosura
que nos dicta la conciencia.

Francisco García García

Cómo se hizo la ilustración “Amor de Elefantes” Por: Ramón Siverio



Mi amigo Oswaldo Rosales, ilustrador venezolano de brillante trayectoria, me invitó a participar en la exposición de ilustradores, organizada en el marco del 3er Encuentro Internacional con la Literatura Infantil y Juvenil en Venezuela, en homenaje a la escritora venezolana Velia Bosch, por lo que acepté la invitación. La exposición estuvo abierta del 5 al 20 de noviembre, en la Sala Alternativa del Centro Cultural Eladio Alemán Sucre, en Valencia, Venezuela.
¿Quién es Velia Bosch?
Velia Bosch nació en Caracas el 23 de Mayo de 1936, pero desde los dos hasta los quince años vivió en Ciudad Bolívar. Escribía desde sus doce años. Ha publicado doce libros para niños, entre ellos: “Arrunango”, “Jaula de Bambú”, “Mariposas y Arrendajos” (caja de juegos con poesía, con el que obtuvo el premio “Octogonales” de Francia) y “Bestias de casa”. Se licenció en Letras en la UCV, doctora en letras, investigadora, escritora y profesora de Literatura. Laboró durante muchos años en el Centro de Estudios Rómulo Gallegos (CELARG). Fue miembro fundadora de la revista “La Ventana Mágica”, corresponsal de la Revista Literaria “Alba de América”, del Instituto HispánicoWestminster, California. Creó la Cátedra de Literatura Infantil Latinoamericana y del Caribe José Martí, única en nuestra América. También creó y dirigió el proyecto de juegos literarios Gran Circo de Papel. Estuvo casada con el pintor Gabriel Bracho, hasta la muerte del pintor ocurrida en 1995, con quien tuvo cuatro hijos: Gabriel Eduardo, Álvaro, Amalia y Rodrigo".

Poema a ilustrar :

Amor de elefantes

El elefante quiere viajar la hormiga lo ha invitado para esta navidad.
El elefante sueña con volverse alfiler en el muelle lo espera un barco de papel.
Mil gaviotas lo llaman y un pirata lo ve:
-“este pobre elefante,en su mundo al revés
no sabe que la hormiga
es un sueño de él”.

Mi comentario:
De los textos me incliné por “Amor de Elefantes” por la fuerte estructura pesimista que plantea: Un elefante está enamorado de una supuesta hormiga y para que ella lo acepte, desea con vehemencia ser tan pequeño como ella (El elefante sueña con volverse alfiler), hasta que un pirata (¿la realidad pura y desnuda?) descubre que su amada es ficticia.Empecé a realizar bocetos de elefantes, luego de copiar y leer varias veces dicho poema. Me pareció que los textos del poema se podrían descomponer en cuatro bloques y, posiblemente, contar una historia. Pensé entonces en hacer un cómic de dos páginas por lo que un primer esquema compositivo se puede ver en la (imagen 1)

También se puede apreciar en esta página dos bocetos de elefantes vestidos a la usanza de Charles Chaplin, con bigotito, sombrero de bombín, bastón y grandes zapatos. También hay en esta hoja un intento frustrado de pirata mirando por un catalejos.
En la Hoja 2 hice otro boceto del mismo elefante chaplinesco, esta vez con más seguridad de lo que quería, mirando una tarjeta postal de la ciudad de París y pensando en la hormiga. La hormiga es una femme fatale que muy bien podría trabajar en el Moulin Rouge como cantante y bailarina. Además en esta hoja se puede ver un barquito de papel que hice con una hoja de cuaderno escolar de una sola línea. La idea de utilizar papel de un cuaderno de clases de primaria se debe a mis recuerdos de niño, cuando después de llover abundantemente en una tarde, antes de salir del colegio, teníamos unos verdaderos ríos en las cunetas de las calles de la barriada para hacer carreras de barquitos de papel. Por eso, para mí, un barquito de papel está asociado con ese material escolar y tardes húmedas después de clases.


Con todo más que estudiado, luego de dos días pensando en los mejores encuadres para el cómic de dos páginas, empecé a dibujar la primera página. Ver (imagen siguiente). Agregué elementos como un alfiler con cabeza de elefante, para indicar que el elefante quería volverse alfiler, como reza el poema, y corazones flotando en el aire que nos dicen cuán enamorado está el elefante.Pensando en la hormiga, se me ocurrió que el mensaje de la hormiga en la tarjeta postal tenía que tener una carga sexual en la información, a la vez que debería guardar distancia. Se me ocurrió que la frase “Ven a mi casa esta Navidad. Con afecto. Tu hormiga” cumplía con las expectativas de atraer y rechazar a la vez.
El elefante se encuentra ubicado en dos ambientes: En la casa del elefante, donde se ve un arbolito de navidad (esto porque el texto del poema indica que “la hormiga lo ha invitado para esta navidad”), y un muelle de tablitas en una isla paradisíaca, en donde toma el barco de papel para su viaje a París.
El cómic refleja los dos primeros párrafos del poema. Aparté espacio en la composición de las tres viñetas para introducir los textos sin afectar su legibilidad. De cabecera me pareció indicado poner el título del poema: Amor de Elefantes.
La carpintería
Ya parte de la carpintería está descrita arriba cuando hablo de los bocetos a lápiz. Luego de hacer la Hoja 3 a lápiz, tomé una hoja de papel y entinté todo el dibujo, poniendo la hoja nueva sobre la hoja con el dibujo a lápiz en mi mesa de luz. Luego digitalizé la hoja entintada a 300 dpi en modo blanco y negro y guardé el archivo en formato TIF para asegurarme de que tendría una reproducción aceptable con la que trabajar. El paso siguiente fue abrir la suite de mi programa de dibujo vectorial favorito: CorelDraw 12. Empecé con Photopaint 12, en el cual limpié la imagen guardada de suciedades y marcas indeseables que registra el scanner pero que a simple vista no se detectan. Ya con la imagen limpia, pasé a vectorizar dicha imagen con Corel Trace 12. Corel Trace 12 convierte imágenes de mapas de bits en dibujos vectoriales que pueden ser coloreados después en CorelDraw 12. Luego copié la imagen vectorizada, que está en blanco y negro, y la trasladé a CorelDRaw 12, que es donde paso a agregar color a toda la composición. Por último agregué mi correo electrónico. Listo, ya tenemos la página del cómic terminada, y se puede apreciar a continuación.



Luego de enviarla a Oswaldo Rosales, él mismo me participó que sólo se tomaría la imagen del elefante en el muelle, que es la imagen que encabeza este artículo, por cuestiones de formato. Recordemos que es una exposición de ilustración y no de cómic. Yo, entendiendo lo que se me planteaba, accedí.
Disfruté mucho con este proyecto, por lo que espero ser invitado el próximo año.
La segunda página del cómic espera aún por ser realizada. Vamos a ver si aparto un tiempo para terminar la historia.

Espero les guste.

Por: Ramón Siverio

Artista Plástico/Diseñador Gráfico, Dibujante de Cómics.

www.ramonsiverio.blogspot.com

r_siverio.yahoo.com

LA IMPORTANCIA DE LA MUSICA- Por Annely Keller Roche Copyright © 2005 por misionpsique.com


Para casi todos los seres humanos la palabra MUSICA representa algo placentero, ya que en algún momento de nuestras vidas todos hemos tenido experiencias positivas asociadas a ella, bien sea auditiva o corporal, emotiva o espiritual. Es claro que no tenemos que defender demasiado la música para demostrar lo que ella es en sí misma. Sin embargo, también podemos encontrar experiencias musicales negativas, como los ruidos excesivos en el cine o de grupos musicales en vivo o, como en tantos casos, una enseñanza musical mal llevada, haciéndose frustrante y hasta castradora.

La Música es un lenguaje innato a todas las personas, aunque desarrollado a fondo solo por algunas. Todos cantamos en algún momento, todos respondemos con movimientos corporales a ritmos. La música es movimiento y es sonido; nosotros somos movimiento y sonido, por eso también nosotros somos música. El ritmo esta en la naturaleza: lo observamos en las estaciones, en el día y la noche, en los ciclos de lluvia y de sequía, en la reproducción de las especies etc. Está en nuestro cuerpo: en los latidos del corazón, en el recorrido de la sangre por las venas, en el parpadeo, y en el ciclo vital que se repite en todos, desde el nacimiento hasta la muerte. La melodía esta en los pájaros y en los vientos, en el lenguaje hablado y en el canto. La armonía, que consiste en el conjunto de notas que respaldan o acompañan a los sonidos principales, gracias al cumplimiento de reglas ¿estrictas y predeterminadas, son un anuncio d esa armonía que debería representar la música para todos y en especial para los niños.

Como podemos deducir, para entender, aprender y hacer la música, es necesaria la utilización de todas nuestras áreas en funcionamiento. Mientras un lado del cerebro piensa, analiza, compara, decide y controla el lenguaje, el pensamiento y el movimiento, la otra favorece las relaciones espaciales, algunos tipos de memoria sensorial y las expresiones emocionales y estéticas.
Introducir la experiencia musical como parte del crecimiento del niño es de suma importancia, ya que, bien llevada, ésta es una herramienta poderosa para poner todas sus facultades en movimiento y afinar al máximo sus capacidades. Algunos, muy pocos, pedagogos musicales nos hemos dedicado a desarrollar un sistema de enseñanza de la música que es a la vez un método para alcanzar la “escultura” de un niño mejor, gracias al juego interesante y divertido que, de manera consciente y progresiva, le proponemos al alumno participante desde muy temprana edad. Un método que permite la fluidez de las habilidades, y que es nuestro aporte en la búsqueda de que nuestros infantes crezcan en armónica salud mental, emocional y corporal.

Ofrecer una herramienta para crecer con el hábito de estar en equilibrio, nos produce la satisfacción de estar contribuyendo a las construcción de futuros adultos sanos y dispuestos a luchar por si mismos en cualquier campo que les toque desempañarse. Si esto se cumple en alguna medida, habremos cumplido con nuestro cometido.

Annely Keller Roche
Caracas - Venezuela, Año 2005.
Copyright © 2005 por misionpsique.com

ARTE URBANO COMIENZOS HISTORICOS - Por Antonio Raul Gamez







Desde el principio de la historia del hombre el ser humano se ha visto en la necesidad de expresarse a través de su entorno ya sea en las cuevas de Lascaux en Francia, como en las estructuras de civilizaciones desaparecidas como Pompeya , esta forma de expresión tan antigua es innata en el ser humano y se ha adaptado a los cambios del tiempo.
En la modernidad el movimiento artístico más grande de la historia es el arte urbano este se ha extendido por todo el mundo y millones de personas adoptan este movimiento como estilo de vida cada día, sus inicios en la civilización moderna tienen distintas fechas y lugares, el movimiento del graffiti de letras comenzó a desarrollarse a finales de la década de 1970 en Nueva York y Filadelfia donde artistas como TAKI 183, CAT 161 y CORNBREAD empezaron a pintar sus nombres en forma de tag ( firma llamativa ) en paredes y vagones de trenes gracias a pioneros como los nombrados nació el movimiento del graffiti en norte América.
En el caso de Europa en países como Francia durante las revueltas estudiantiles de 1960 y 1970 expresaron sus puntos de vista mediante la técnica de graffiti con plantilla, en Ámsterdam y Madrid también era utilizada esta técnica por movimientos de izquierda como también lo utilizaban en el movimiento punk, ya en 1980 los graffitis de tendencia norte americana empezaron a verse por toda Europa debido a la influencia del hip hop en la cultura juvenil.
En sur América específicamente en Brasil nació en 1960 un tipo de graffiti llamado pixacao que es un estilo de letra criptica alargada, este estilo de graffiti comenzó específicamente en Sao Paulo donde se escribía en fachadas de edificaciones respetando siempre lo escrito por otros, logrando así que siempre se pintara cada vez más arriba.
Actualmente este movimiento por todo el mundo y ha evolucionado según las circunstancias de donde este arraigado, muchos mantienen el modelo norte americano basado en la distorsión de letras perfeccionándolo y creando nuevos estilos de letras incorporando también personajes ya sean de tipo comics o dibujos realistas , otros crearon nuevas tendencias utilizando variedad de herramientas, formas y técnicas haciendo también de esto un arte conceptual y de contenido sea de protesta social o política.

Por: Antonio Raul Gamez
Artista Plástico

1° SIMPOSIO NACIONAL DE ESCULTURA AL AIRE LIBRE DEL 02 AL 05 DE ABRIL 2009 -Por Hugo Barroeta


























En Valencia acaba de finalizar el 1er Simposio Nacional de Escultura. Un evento inédito en esta ciudad y quizás en Venezuela. Fue organizado y patrocinado por la alcaldia de Valencia a través de su Dirección de Cultura, institución que se ha anotado ya un éxito al inicio de su gestión. El concurso contó con la participación de veinte estados entre ellos: Falcón, Merida, Lara, Monagas, Sucre, Nueva Esparta, Delta Amacuro, Cojedes, Aragua, Yaracuy y Carabobo. Fue muy interesante y enriquecedor ver y vivir la experiencia dual, como participante-espectador. Desde esa optica narrare brevemente lo vivido.

El escenario fue el llamado Puente Morillo, antigua construcción que data de 1820, y en cuya ocasión se celebró este evento y en rescate de la memoria y de los lugares históricos de la ciudad de Valencia. Desde el primer dia los escultores, apertrechados cada uno con su artillería: formones,martillos,gubias, escorfinas, esmeriles, etc. ; nos dispusimos a enfrentar, esculpir le dicen, la conocida "Piedra de Cumarebo". Las blancas moles tenian distintas formas y tamaños; unas eran redondeadas, otras grandes y alargadas, pero todas eran, eso si , muy pesadas. El colega de Yaracuy tuvo que solicitar una grua para levantar la suya, tal era el peso de aquellas. El tema fue libre. Lo cual permitió dejar al espiritu creador elucubrar sobre la suerte de aquellas rocas, que se presentaban retadoras ante nuestras indecisas ideas. En mi caso, llevar un boceto o una forma preconcebida no era lo más acertado. Ninguno de nosotros sabia cual tipo de piedra le iba a tocar, de modo que un mal cálculo o alguna falta de sentido de apreciación respecto al volúmen a resolver, tendría como agravante el tiempo de ejecución que marchaba a contrareloj, es decir en contra nuestra, como en efecto ocurrió. Algunos colegas no pudieron concluir sus obras, que se perfilaban muy interesantes. Cabe hacer la observación que entre los artistas participantes por Carabobo se notó una total tendencia hacia lo figurativo con sus matices, a diferencia de los demás estados en los que predominó la abstracción con sus excepciones. En terminos generales las diferentes propuestas reflejan algo de lo que se está haciendo en las regiones. Finalmente, de las veinte piedras talladas, resultaron veinte hermosas obras que desde ahora formaran parte tambien del patrimonio artistico de Carabobo
El primer Simposio Nacional de Escultura, es un espacio ya ganado para la plástica y la cultura Carabobeña.
Por: Hugo Barroeta
Artista Plástico/ Profesor de la Escuela Arturo Michelena
hugobarroeta@hotmail.com

Fotografias: Clara López Iaffa

ARTE: Excelente Inversión- Por Freddy Ordaz

Hoy en día, el arte se ha convertido en una tentación cada vez más fuerte para el coleccionista. Todos los años son vendidas en el mundo miles de obras de arte.

Desde pinturas, esculturas, cerámicas, grabados etc. ese fenómeno no se debe solamente al placer que representa poseer una obra de arte, sino sobre todo a la seguridad que tiene hoy un cuadro frente a la inflación y otras muchas crisis económicas. Ese afán de invertir en arte se ve en todas partes del mundo, por decir un ejemplo, un lienzo del teórico del espacialismo Lucio Fontana, valía alrededor de 1000 dólares en el año 1968, esa misma tela en el año 1972 se cotizaba en 5000 dólares; en el de 1979 entraba ya a los 30.000 billetes verdes, ¡me imagino cuanto valdrá en este año 2009¡

El valor de las obras de arte se triplica por momentos y el comprador con “buen ojo” adquiere una pequeña y bella inversión que con el pasar de los años, ya sea corto, mediano o largo plazo, la obra de muchos artistas sigue aumentando su valor hasta convertirse muy solicitada por museos y coleccionistas privados – enfatizaba- Carlos III, representante de una de las más famosas Casas subastadoras, en definitiva, el mercado del arte es una excelente inversión acariciada cada vez por personas.

Estamos en el centro de un boom artístico, una verdadera explosión del arte. Hoy la gente adquiere una obra de arte más que nunca ¿Por qué? La verdad es que hay muchas causas. La más importante, sin embargo, es que un buen cuadro representa un medio de defensa insuperable frente a la inflación – decía Milton Esteronw, director de la revista ARTnews - que para realizar una inversión en obras de arte, debe asesorarse siempre que lo trate de hacer sea eso: una inversión.

Cuando se trata de invertir en arte es conveniente seguir consejos de Francois Duret-Robert, quien ha escrito dos valiosísimos volúmenes para explicar las causas de las fluctuaciones de las obras de arte. “Todas estas cosas aparentemente irrazonables pueden tener una explicación razonable”. Basta entender que entre arte y dinero existen relaciones semejantes a las que entrelazan entre el arte y el hombre. ¿Cuáles son los factores que tienen un papel determinante en el valor de los cuadros?
La experiencia enseña que tales factores son, al menos, seis:

1º) La notoriedad del artista; 2º) La autenticidad del cuadro; 3º) Su historia, o su currículo; 4º) Su tema; 5º) Su rareza; 6º) La calidad de la pintura, materiales etc. Así concluye el director de la revista ARTnews.

En muchos países instituciones museísticas dependen de coleccionistas particulares, tenemos uno de ellos, El Barón Thyssen Borniemiza, un alemán casado con una española, quien acaba de prestar su colección privada de maestros y jóvenes artistas, para que sirviera de marco a la inauguración de una nueva ala del museo Del Prado en Madrid.

Hacer una colección de arte no significa sólo hacer una inversión, puede denotar buen gusto, buen ojo, cultura, pero sobre todo exige una capacidad intelectual particular para entender lo que poco logran. Cada día crece más la iniciativa y complejidad del coleccionismo del arte. Anteriormente en Venezuela las colecciones de arte estuvieron dominadas por la iniciativa del estado o por la acción ocasional de coleccionistas particulares que adquirían obras para su propio patrimonio.

Ahora en el país ha surgido un grupo en su gran mayoría jóvenes ejecutivos y profesionales que entendieron que el arte no es para rellenar huecos en las paredes, sino para valorizar su patrimonio. Y, es por eso que una legión selecta, ha venido reuniendo a un grupo de talentosos y excelentes artistas venezolanos que, transitoriamente o no han realizado una obra que entra en una amplia categoría, se trata pues, de coleccionistas que coloca a Valencia, Venezuela a la par de lo que Europa y EEUU, ya es común: Coleccionar arte.
Por: Freddy Ordaz
Artista Plástico
freddyordaz@yahoo.com

FAMILIA ROCK FESTIVAL -Por Francell Rodriguez



Hola rockeros y rockeras de Valencia, aquí les presento para ustedes una sección dedicada a resaltar el trabajo productivo musical de nosotros, ofreciendo cobertura desde pequeños conciertos hasta grandes festivales realizados en nuestra ciudad, así como también el seguimiento muy de cerca a lo que hacen los músicos de la capital carabobeña y otras ciudades.

Bienvenidos a la familia rock de valencia.

Después de 6 conciertos exitosos en el Ateneo de Valencia, en sus ediciones metal, alternativo, rock and roll, punk, pop-rock y el concierto iniciador de esta movida que se llevó a cabo el 2 de diciembre del 2008, el festival Rock and Family cambia su nombre a FAMILIA ROCK FESTIVAL y sube de nivel para convertirse en uno de los mejores festivales de rock en valencia, involucrando a diferentes tendencias del genero, dándole un espacio a las bandas nuevas y con trayectoria de la ciudad, para que expongan profesionalmente, sus producciones musicales.

Esta primera edición se realizó exitosamente en la reconocida y emblemática plaza Montes de Oca, lugar donde los sueños rockeros se hacen realidad y las energías fluyen de una forma espiritualmente inexplicable. Los grupos que tuvieron lugar ese sábado 14 de marzo fueron Misivo, Los Mirian´s, Carrusel, Inmersión, The Cantinflas, Los Pankemaos, Obvio, Rechazados, Pura Bulla, Valynor, Los Yayas, La Vieja Guardia, Justo Pocatedra y The Bobby Dicks. El evento conto con el apoyo de la Fundación para la Cultura y la Alcaldía bolivariana de Valencia y con la presencia del ciudadano alcalde Ing. Edgardo Parra y el presidente de la Fundacultura pastor. Guillermo Vizcalla. También le damos gracias a un valioso equipo de técnicos, músicos y colaboradores que hicieron posible la realización del evento, así como también a los medios impresos, radiales y televisivos regionales y nacionales como lo es el caso de Vtv y Vive que siempre estuvieron dispuestos a difundir la información del mismo.
Por: Francell Rodriguez.
www.myspace.com/francellalejandro

ARQUITECTURA SUSTENTABLE EN LATINOAMERICA- Por Erik Restuccia





El protocolo de kioto sobre cambio climático fue adoptado en 1997, pero entró en vigencia solo el 2005 y expira en el 2012. Este instrumento internacional estableció metas de reducción de gases causantes del calentamiento planetario para los países ricos.
El calentamiento global es un hecho, ya nos afecta, las sociedades del mundo empiezan a preocuparse por las consecuencias dramáticas causando daños irreparables al medio ambiente.
La arquitectura sin duda es uno de los elementos que tiene que transformar a la sociedad.
La idiosincrasia latinoamericana, el hecho de que los países no desarrollos no tengan la obligación de disminuir la producción de gases tóxicos, contribuyó a la no realización de estrategias para la formación educacional tanto formal como informal de los ciudadanos, de los profesionales, de la mano de obra, para la construcción de arquitectura sustentable.
La falta de voluntad política de las regiones ha fomentado el no conocimiento de lo que significa la arquitectura sustentable, además de los alcances para mejorar el crecimiento económico y bajar los niveles de pobreza, contribuir al mejoramiento tecnológico de la región y disminuir fundamentalmente el impacto ambiental.
La arquitectura sustentable en términos técnicos es el modo de concebir el diseño arquitectónico, busca aprovechar los recursos naturales y minimizar el impacto ambiental.
Esto se logra con la utilización de materiales de bajo contenido energético, disminuyendo el uso de calefacción o en caso contrario la disminución del aire acondicionado entre tantos otros.
Los países de nuestro continente deben gestar normativas eficaces para promover la certificación de las edificaciones sustentables y masificacion de las mismas.
Las universidades e institutos deben promover estos cambios de orientación y soluciones para nuestra sociedad. Donde se mejore la formación profesional, las capacidades de la mano de obra y lo más importante un cambio de mentalidad.
También cuestionar aquellas obras con grandes fachadas en vidrio de extravagantes diseños que deleitan el ojo humano, pero que deben ser enfriados o calentados de alguna manera.
En pocas palabras la arquitectura sustentable es la búsqueda de lo nuevo, lo innovador siempre teniendo en cuenta nuestros orígenes, respetando el ambiente y controlando de la manera eficaz el consumo de las energías que nos proporciona el medio.
Para ello se están realizando avances contundentes como la calefacción solar activa y pasiva, la energía eléctrica producida por fotocélulas solares, la incorporación en viviendas, edificios generadores eolicos y el reciclaje de las aguas servidas, plantas de tratamiento etc.
En la nueva etapa que nos toca vivir, los arquitectos tenemos el deber social, de organizar afrontar nuestra responsabilidad como elementos transformadores, ya en distintas latitudes comenzaron a realizar arquitectura sustentable, ejemplo de ello Europa específicamente Francia, en la ciudad de Paris se propuso una TORRE VIVA, edificio de 30 pisos totalmente ecológico compuesto por grandes invernaderos automáticos, estabilidad térmica y la producción de energía eléctrica con la utilización de energía eolica, en las fachadas se plantea células fotovoltaicas a modo de energía suplementaria.
En nuestro continente algunos arquitectos comienzan a tomar conciencia de lo que significa arquitectura sustentable como Chile, Brasil y Argentina.
Donde se establecen estrategias para desarrollar proyectos arquitectónicos sustentables (todavía en formación).
En otros países como Uruguay se observan proyecto donde se utilizan materiales de bajo contenido energético, la paja Brava, comúnmente el nombre que recibe la materia prima con que se realiza techos, llamados quinchos originarios de las tierras nórdicas de Europa, estos techos proporcionan un verdadero espectáculo al ojo humano además de brindar condiciones térmicas fabulosas.
En los países andinos como Perú, Ecuador, Bolivia, Colombia y Venezuela se realizan obras de influencia indígena, el caso de la utilización del bambú como elemento estructural, la caña como elemento plafón, la hoja de frailejón se usa específicamente en los andes venezolanos como aislante térmico, además el barro como materia prima para la ejecución de paredes con diferentes técnicas: Tapia ( paredes realizadas con formaletas, la tierra es apisonada y revestidas con una mezcla de paja, tierra y cal), el Bahareque ( paredes realizadas con estructuras en madera posteriormente se rellena con tierra y piedras) y el adobé ( son los ladrillos sin coser) de esta manera mirar a nuestro ancestros y poner en practica las diferentes técnicas del mundo indígena en el tapete nos podrían brindar soluciones favorables a contener las atrocidades que se están cometiendo, nuestra cultura indígena realizaba una bio-arquitectura, vivían en armonía con su habitad.
Hoy día, nos encontramos en una encrucijada de acontecimientos que nos confrontan, la problemática social, económica, política y ambiental en la que estamos sumados todos los seres humanos.
Nos obliga a entender que de no transformar nuestro modo de vida, nuestro planeta llegara a un colapso irremediable.
"Es el momento del cambio" Juan Pablo II.
Por: Erik Restuccia Pannier
Arquitecto/ Artista Plástico

GANADOR DE LA 64 EDICIÓN SALON ARTURO MICHELENA- ATENEO DE VALENCIA- Por Eddy Chacón


QUE SIGNIFICO PARA TI GANAR EL PREMIO ARTURO MICHELENA.

Ganar el premio Arturo Michelena, ha significado el darme cuenta, que cuando tú haces un seguimiento a tu trabajo enviado a un salón de arte, tienes muchas posibilidades de que clasifiques, sobre todo cuando el jurado es respetado por su integridad profesional, donde no se mesclan las intrigas, envidias, manipulaciones de poder y sobre todo el irrespeto al artista, pareciendo que los análisis y criticas no se hicieran de manera inteligente derivada de la razón y del conocimiento, producto de la investigación sobre el verdadero contemporáneo.......... por el contrario pareciera que los juicios salieran de sus intestinos, desconociendo y descalificando a artistas que en realidad podrían estar haciendo un trabajo de vanguardia pero que por el solo hecho de no estar en la jaladera en la que las personas inseguras están acostumbrada a mantener para cultivar las posibles amistades y así ocupar estatus que con el tiempo se derrumbaran ya que están fundamentados en la mentira, producto de la mediocridad en la que viven.
Para mi ganar el premio Arturo Michelena, debo confesar, no fue sorpresa, ya que siempre he creído en los talentos que Dios me dio, estando seguro de que la justicia Divina seria presente en el momento indicado, y sin duda en la integridad del jurado. Cuando estaba creando el proyecto, sabía que era una buena propuesta, en la que cuide todos los detalles y no escatime esfuerzos para que la obra estuviera en total equilibrio visual, auditivo dramático y de factura impecable, este premio es un compromiso conmigo mismo y con las personas de seguir manteniendo la integridad de pensamiento, actuación y calidad en la obra, pero también la reflexión de seguir solidificando mi quehacer artístico, de la manera que lo he ido ejecutando.

QUE ASPIRAS QUE OCURRA CON EL SALON MICHELENA.

Mis aspiraciones, son que el salón ARTURO MICHELENA perdure en el tiempo ya que es el de más solidez, prestigio en el país por su trayectoria y continuidad en la confrontación de las artes contemporáneas. Si el salón Michelena desaparece, o su continuidad se rompe, será responsabilidad de la mediocridad con que se manejan las artes en el país, todos estamos comprometidos a que el salón ARTURO MICHELENA continúe su confrontación en las artes venezolanas.

CUAL ES EL FUNDAMENTO DE TU OBRA.

El fundamento de mi obra, sin duda es el basamento de una propuesta estética, no solo contemplativa......... también reflexiva, con la intención de exponer un tema conceptual en el cual el efecto kinestesico actué de manera inmediata y a si activar el sentido de la conciencia ecológica en el espectador. Vivimos en un espacio agredido por nuestros abusos ambientales, el cual muere sin darnos cuenta de nuestra propia destrucción.
Mi obra.... EL LAGO DE MARACAIBO...... y el performance...AGUA DE LAGO..... es un llamado a todas las personas a la conservación de nuestra casa materna ...LA TIERRA.... la gran satisfacción es que en mi país Zulia he ido sembrando la semilla de la ecología a través de mi propuesta artística, siendo el premio ARTURO MICHELENA el re afirmante del planteamiento de mi obra ,que surge en el momento en que aparece la lemna sobre la superficie del LAGO DE MARACAIBO..., el paisaje surrealista creado por esa planta tan hermosa y destructiva me saco por momentos de la realidad sumergiéndome en la luminosidad, textura y movimiento de su color........ VERDE LEMNA..... el cual lo registre y ahora es usado en mi paleta de colores ensenándome ......... que de esta destrucción ambiental................. Se inicia un movimiento vigilante por todos los ZULIANOS, la conservación de nuestro mayor reservorio de agua en el que sus bondades son ilimitadas, aún en estado de agonía.

CUANDO SABES QUE HUBO DOS PREMIOS ARTURO MICHELENA QUE PERCEPCION TIENES DE TU PREMIO Y DEL OTRO.

Me entere, cuando una amiga me dijo que enviaría su propuesta a los dos salones, sorpresa para mí que existían dos MICHELENAS………. Investigue sobre el asunto y llegue a la conclusión que los salones de arte son de las instituciones de las ciudades y sus habitantes, de la historia……….. Y para Gregorio Boscán, el salón que conozco desde que tengo uso de razón es el del Ateneo de Valencia. Por eso envié al salón original. ……..el otro es tapa amarilla. Mi comentario no será para menospreciar el trabajo de los artistas que enviaron al otro salón, sin embargo, el tratamiento de las obras y a los artistas, deja mucho que decir.
Lo más emocionante del premio MICHELENA, ha sido sin duda, el prestigio de haberlo ganado, pero la entrega fue lo máximo……… tuve el gran honor de recibir el premio de mano de todos los trabajadores del ATENEO DE VALENCIA, allí sentí que la muralla que bordeaba antiguamente a la institución había sido derrumbada.

CUAL ES TU CRITERIO ACERCA DE LOS SALONES DE ARTE EN VENEZUELA.

Creo que los salones de arte en Venezuela son el reflejo de quienes los manipulan,………… los salones de arte, no pueden ser manipulados……… se deben respetar como eventos importantes en la muestra de las diferentes tendencias en el arte contemporáneo, el éxito de estos salones dependerá de los organizadores, curadores y de los artistas, que deben hacer seguimiento a sus obras, estando seguros de que salgan de los centros de recepción hasta el organizante, que sean enseñados debidamente al jurado, con las respectivas normas de manipulación y conservación, y sin duda con un jurado imparcial, conocedor de los artistas y de las corrientes actuales del arte. Los salones deben estar más abiertos a las propuestas contemporáneas y a los espacios urbanos.

CUAL PIENSA QUE DEBERIA SER LA SOLUCION AL CONFLICTO DEL ATENEO DE VALENCIA.

Creo que el dialogo y el cumplimiento de los derechos de los trabajadores se debe hacer, una institución está formada por su personal, mas cuando ese personal siente que es su casa, tiene el derecho de luchar por sus beneficios económicos y sociales que son adquiridos legalmente, esto es sagrado, en nuestra ley del trabajo al incumplimiento de esto, le cabe demanda.
Si los empleados del ATENEO DE VALENCIA, no sintieran la institución como su propia casa, el SALON MICHELENA, no se hubiera realizado con tanto éxito, a pesar de las dificultades y limitaciones, vi como cargaron obras, pintaron paredes, limpiaron pisos, instalaron luces y pasaron noches enteras durmiendo muy poco. Así como el propósito de estos trabajadores que se unieron para lograr ese ÉXITO, sin importar estatus o cargo, tenemos que unirnos todos los venezolanos para que nuestra historia del arte, no sea infectada de protagonismos que solo llevan a la destrucción de nuestra identidad como venezolanos amantes de las Bellas Artes.
Por: Eddy Chacón
Artista Plástico

ENTRE TRES 3 - Por Dinorah Giménez y Trinidad Durán




Jesús Roberto Urdaneta Salguero.
Escritor. Dramaturgo y guionista.
Nace en Valencia en el siglo XX.

Entrevista entre tres en tres tardes.

Escribe con la inteligencia de los niños de hoy. No usa método como en el teatro sino la espontaneidad infantil.

…Para escribir… Se parte de la impresión de la imagen:
Olfativa
Táctil
Auditiva
Visual
Gustativa

No siempre el relato es autobiográfico.
Recurre y despierta la memoria: La sensorial y la emotiva. El actor organiza la memoria ,
Percibe el estado de animo de la gente

Desde hace años es docente del área de teatro y Director y productor del programa Infantil “El Globo azul”

Varios premios como escritor.

El instrumento de trabajo del Actor es su cuerpo, sus emociones, su actitud, su aptitud y su complejidad biológica, ambiental y espiritual.

Análisis : físico, Psicológico y social del Personaje.
Darle vida al ego del personaje y no del Actor.

Pensar y sentir, no nos podemos deslastrar de esto.

Escribir para niños, adecuar el lenguaje a los niños y Darle el justo valor a la literatura infantil
Libro más reciente: Familias y Familiares, Ganador Caminos del sur, 2006.

Por: Dinorah Giménez y Trinidad Durán
Artistas Plásticos
dinorahgimenez@hotmail.com
trinidadduran@hotmail.com

ENTRE TRES 3 - Por Dinorah Giménez y Trinidad Durán




Francisco Esteban Alfonzo Durán (Pancho).
Artista Plástico. Guacara 1953.

Es una tarde bastante iluminada ,
Pancho Alfonzo, nos recibe cordialmente

Me inicio en la pintura a muy temprana edad, pero a nivel profesional lo hago a la edad de los 19 años impulsado por mi madre, motivado a que estaba frustrado por no concluir mi carrera de ingeniería..

Realiza estudios profesionales
en la escuela de Arte Arturo Michelena, en Arte puro

Estudia Licenciatura Superior de las Artes, en la Universidad Experimental
de las Artes en Caracas y realizando un trabajo de investigación de las matemáticas en el arte.

Docente de artes plásticas

Medalla de Oro de las Artes, en el salón del Hotel Intercontinental
mención en el Salón Turmero

Aspira la búsqueda total…

Por: Dinorah Giménez y Trinidad Durán
Artistas Plásticos
dinorahgimenez@hotmail.com
trinidadduran@hotmail.com

martes, 23 de junio de 2009

CHATEANDO CON ALEXIS PEREZ LUNA Por: Clara López Iaffa








1- Su nombre, fecha y lugar de Nacimiento
Alexis Perez-Luna Caracas 3 de diciembre de 1949

2- ¿Cómo fue su niñez? Que recuerdos de la infancia quiere compartir? Algunos de ellos han influenciado en la decisión de escoger la fotografía como parte de su vida?
Mi niñez estuvo llena de mudanzas entre ciudades dentro de Venezuela y también por diferentes países. No sé si eso influyo en mi decisión de convertirme en fotógrafo, pero es probable que el tener que ser un constante viajero tuviera la necesidad de registrar todas esas historias que pasaban por mi vida tan rápidamente, así que seguí siendo toda mi vida y hasta ahora un compulsivo viajero y registrador de vivencias.

3- Cuéntame un poco de tu estadía en Caracas.
Nací en Caracas pero nos fuimos al interior cuando estaba muy pequeño, y no regresé sino hasta el año 1962, cuando estaba adolescente y no soportaba más la angustiante lentitud y monotonía de la vida en un pueblo (Villa de Cura 1961)

4- ¿Cuantos años lleva trabajando la fotografía y cuál fue el motivo personal-social en la escogencia de la misma como un proyecto de vida, porque escoge este hermoso arte?
Empecé como fotógrafo de la cartelera y del club excursionista del Liceo Andrés Bello en el año 1964, en el año 68 abandono mis estudios de economía en la UCV y entro a trabajar como reportero grafico en las páginas culturales del diario El Nacional, por lo tanto ya llevo más de cuarenta años en este oficio apasionante de registrar memorias que algún día servirán entre otras cosas para crear un imaginario nacional que sirva como referencia para la construcción de una estética visual nacional y latinoamericana y esto es motivo suficiente para dedicarle con pasión a este proyecto que debe durar hasta el último día.

5- ¿Fuentes de inspiración, que inspira a Alexis?
Alguien dijo una vez que la fotografía es un espejo con memoria o un espejo al cual se miraba a través de una ventana. Las razones para explicar las motivaciones para fotografiar son muy difíciles de expresar porque algunas las puedo extraer de la lógica y del pensamiento racional, Pero la mayoría surgen en el momento que te encuentras con personajes o paisajes que te indican que esa imagen pertenece al mundo más intimo de tus pensamientos inconscientes.

6- ¿Qué música oyes? ¿Cuál es la comida favorita de Alexis?
Oigo todo tipo de música, aunque nunca cuando fotografío. Me gustan los cantos llaneros, el cante flamenco por mis orígenes y cualquier música que me mantenga en paz y no me distraiga de mis pensamientos porque podrían espantar a los duendes que siempre me acompañan.
Como mucho y de todo menos vísceras y comidas picantes, y también me gusta cocinar, creo que tiene que ver con la alquimia del laboratorio.

7- ¿Está casado? ¿Cuántos hijos tiene a que se dedican?
Estoy casado y tengo 4 hijos: piloto, ingeniero, futuro diseñador y futura comunicadora social

8- ¿Cuántos hermanos tienes?
Tengo dos hermanas, una mayor, periodista y una menor economista.

9- ¿Tienes Nietos?
No

10- ¿Cómo comercializas tus obras? ¿Las vendes? Mi pregunta va directo sobre tus ingresos para vivir.
Mi obra está en venta, pero casi no vendo, es muy difícil, en Venezuela hay un mercado muy pequeño para la fotografía documental, por lo tanto mis ingresos fundamentales no provienen de la fotografía sino de la administración de los negocios de familia.

11- ¿Cómo haces para mantenerte? ¿Cómo haces para levantar la familia?
Como respondí parcialmente en la pregunta anterior mis estudios de economía me permitieron tener los conocimientos suficientes para apoyar a mi familia en sus negocios. La fotografía solo es rentable cuando te dedicas a la publicidad y esa es un área que a pesar que tuve que trabajar una época en ese sector no me gusta para nada, prefiero hacer algo totalmente distinto y así me permite la libertad de hacer con la fotografía lo que quiera.

12-¿Además de la fotografía en que otra área te especializas o te gustaría incursionar?
Si algún día por alguna razón no podría fotografiar más me dedicaría a viajar por el mundo y fotografiar sin cámara.

13- ¿Cuando comienza Alexis a participar en Salones? ¿Cómo se llamó la primera exposición colectiva e individual de Alexis? En cuantos salones ha participado ya?
En el primer salón nacional que participé fue el Salón Michelena en el año 85 y me gané el premio de fotografía otorgado por el diario El Carabobeño, a partir de ese momento empecé a mandar a todos los salones hasta el día de hoy, en algunos me aceptan y en otros no pero yo sigo mandando porque es una forma de hacer conocer lo que uno hace.
Mi primera exposición individual la hice en el año 67 cuando estudiaba en el Liceo Andrés Bello y el tema fue El Ávila producto de una serie de paseos realizados con el club excursionista del liceo y la primera colectiva fue en el año 76 en la galería llamada la casa de vecindad, fue producto de una investigación hecha en grupo sobre los letreros en el país, de ahí surgió una publicación llamada letreros que se ven

14- Cuales son los temas que Alexis habla en sus fotografías y porque la escogencia de los mismos? ¿Cuál es el mensaje que quieres trasmitir en ellos?
Aunque soy una persona alegre y casi siempre de buen humor y contando historias divertidas, mis temas de trasfondo son la tristeza, la soledad y el abandono producto de historias de vida. No quiero transmitir nada a propósito, esos temas están ahí y salen solos en las imágenes así este fotografiando la situación aparentemente más alegre del mundo.

16- ¿Cómo se movía el ámbito artístico cuando tú empezaste? ¿Y cómo ves a futuro todos los cambios culturales que se están dando ahora en Venezuela?
Cuando empecé tuve la oportunidad de compartir muchos con grupos de escritores, artistas e intelectuales de toda índole que se reunían en los cafés. Ese mundo de la tertulia creativa aparentemente inútil fue lo que me formó como ser pensante más profundo, porque me di cuenta que la fotografía tiene que ver más con lo intangible que con lo visible.
Los cambios culturales se miden en periodos muy largos de tiempo, los verdaderos procesos de cambio que queremos tardaran en llegar. La utopía es lenta y dolorosa.

15-¿Quieres resaltar algo en particular?
Quiero seguir repitiendo en todos los medios como lo hago cada vez que tengo la oportunidad que la fotografía creativa en Venezuela es un arte difícil de ejercer, que todavía no tenemos un espacio fijo en ningún museo del país, y además perdemos cada día mas fotógrafos cuya obra desaparece en el olvido eterno sin que nadie se ocupe de rescatar esa obra para el bien de la memoria del país. Los fotógrafos queremos que en el algún momento el estado cree un organismo que se ocupe de los fotógrafos, de los jóvenes, de los noveles y de los que están a punto de no seguir con nosotros y que esa obra quede publicada, expuesta y conservada, repito por el bien de nuestra memoria histórica y para la construcción de nuestro imaginario que serviría para apoyar a las nuevas generaciones para que sean menos vulnerables y víctimas de los imaginarios de otras culturas.

Quiero además aprovechar además para invitarlos a conocer mi mas reciente publicación titulada Mirando el tiempo que resiste, disponible en casi todas las librerías de Caracas y las librerías Tecniciencias en el interior del país.

16- ¿Que mensaje les das a las nuevas generaciones de fotógrafos que están incursionando en este arte tan maravilloso?
Primero que no se dediquen a la fotografía como medio de vida sino que estudien otras profesiones de las cuales puedan mantenerse y se dedique a la imagen como medio de satisfacción personal por la necesidad de comunicarse con el mundo y transmitir a través de sus fotos los sentimientos más profundos de su ser, y en segundo lugar les diría que la fotografía no se trata solo de recorrer caminos y fotografiar, porque para poder percibir todo lo que te pasa por delante tienes que leer mucho, ver muchas imágenes, fotos, películas y alimentarse de toda la cultura que pueden para poder después producir una imagen con gran peso especifico.

17- ¿Como se define Alexis Pérez Luna?
Un fotógrafo documentalista autoral que cuenta historias de vida, un cronista de sentimientos y afectos.










Fotografias Cortesia de Alexis Perez Luna
Por: Clara López Iaffa
Arquitecta/ Artista Plástico